Schluchzen mit Shakespeare 

Main Feature

Der Film beginnt mit einem einfachen Satz: In Stratford-upon-Avon waren im viktorianischen Zeitalter die Namen „Hamnet“ und „Hamlet“ nahezu austauschbar. Dadurch ist die Brücke vom realen Leben zur Kunst geschlagen.

1596 stirbt der elfjährige Hamnet, Sohn des berühmtesten Dramatikers der Welt, William Shakespeare, ein paar Jahre später steht ein Stück auf der Bühne, das bis heute wie eine offene Wunde spricht: Hamlet. Der Sohn, dem der ermordete Vater erscheint und ihn in die berühmteste aller existentialistischen Fragen treibt: To be or not to be.

Der Film nimmt diese Lücke zwischen Leben und Werk nicht als Rätsel, sondern als Einladung, die Lebensgeschichte der “Shakespeares” recht heutig zu erzählen.

Chloé Zhao inszeniert das als Kostümdrama, das die alten Kleiderstoffe zwar korrekt trägt, aber die Konflikte wie von heute erzählt: Familien- und Paartherapie, nur ohne Sofa, dafür mit Dreck unter den Fingernägeln.

William Shakespeare ist hier kein marmorner Genius, sondern ein verständiger, manchmal hilfloser Mann, der wegfährt, arbeitet, wiederkommt – und das Falsche sagt, weil es für ihn das einzig Sagbare ist. Dennoch schreibt er das absolut Richtige, wie sich später zeigt.

Seine Frau heißt Anne, wird aber Agnes gerufen: eine naturverbundene, eigensinnige Figur, fast schon ein Gegenentwurf zur Stadt, zum Geschäft, zur männlichen Linie. Der Film legt ihr indirekt eine Mitautorinnenschaft am Werk des “Meisters” in die Hände.

Die Kamera bleibt dabei auffällig oft draußen, unter Bäumen, in Lichtflecken, in diesem „Himmel-durch-Blätter“-Blick, den man als Manier abtun kann – oder als Beharren: Natur als Resonanzraum. Und darunter (oder darüber) die Klänge von Max Richter: meist fein gesetzt, manchmal dann doch so entschieden, dass man spürt, wie hier nicht nur begleitet, sondern emotional gelenkt wird. Welcome to the crying game – nicht als Spiel, sondern als Mechanik: Der Film kennt die Tränenwege des Publikums ziemlich genau und weiss sie zu manipulieren.

Vor allem aber zieht einen das Spiel hinein: Jessie Buckley agiert mit einer Intensität, die nicht „zeigt“, sondern innerlich brennt; Paul Mescals “Will”, der zwischen Ehrgeiz und Erstarrung pendelt; und der kleine Hamnet – als Zentrum eines Schmerzes, den man fast körperlich mitatmet. Wenn Krankheit kommt, kommt sie nicht nur symbolisch, sondern brutal.

Und ja: Das ist die heikle Schwelle, an der sich in diesem Film vieles entscheidet – “grief art” oder “grief porn”? Wann wird das Zeigen von Trauer zur Form, zur Erkenntnis, zur gemeinsamen, kathartischen Erfahrung – und wann kippt es ins Ausstellen, ins Ausbeuten, in diese „absolute ruthlessness“, die einem nicht nur aufs Herz, sondern gleich noch auf die Tränendrüsen drückt? Zhao balanciert, manchmal mit erstaunlicher Zärtlichkeit, manchmal mit sehr festem Griff an die Gurgel.

Die Apotheose dieses Films kommt zum Schluss durch das Spiel auf der Globe-Bühne: Im Theater, bei “Hamlet”, beim Geist des Vaters, wird Trauer zur Form, Trauma zur Szene, Überleben zur Wiederholung und Bewältigung. Am Ende eine Handgeste der Mutter zum sterbenden Bühnen-Hamlet – eine heilende Geste. Das Globe-Publikum vervielfältigt den Abschied, als wäre Trost etwas, das nur gemeinsam funktioniert. Ein heilender und “heulender” Moment auch im Kinosaal, wie ich ihn lange nicht erlebt habe. Selbst der grösster “Chips-Raschler” ist in diesem Moment endgültig verstummt.

Ist das alles in seiner Unmittelbarkeit etwas naiv? Vielleicht. Aber vor allem ist es radikal schön: Kunst als Heilung, als Anrührung. Schluchzen mit Shakespeare. Es ist ein Beweis, wie sehr wir uns nach genau so einem Kino sehnen und das gemeinsame Film-Erleben eine Zukunft hat. Der Rest ist nicht Schweigen, wie es bei “Hamlet” heisst, sondern der Kauf der nächsten Kinokarte.