Kunstpreisbremse

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Auf dem Messeplatz ist eine inzwischen wohlbekannte Mega-Farbsprühpistole losgegangen: Katharina Grosses „CHOIR“ spannt sich in Magenta, Pink und Orange riesig und in maximalen Dimensionen über Asphalt und Stoff. Mit Industrie­spritzpistole als ihre “erweiterte Hand” verwandelt Grosse Architektur in ein begehbares Bild und testet, wie Malerei den öffentlichen Raum choreografiert. Ihr inzwischen recht nomadischer Farb­zirkus (jüngst Berlin, eben noch Hamburg, jetzt schon Basel…) wirkt hier wie festgezurrt, bleibt aber ein temporärer Ausnahmezustand, der in dieser Woche bereits wieder verschwunden ist – eine laute, doch kurze Fanfare der Malerei.

Starten wir die Drohne und fliegen hinein in die “Unlimited”, die interessanteste Sektion der Messe, bei der in einer riesigen Halle in kluger Kuratierung und mit viel Platz die Grossformate unter der zeitgenössischen und modernen Kunst gezeigt werden. Wenn ich bei der Art Basel bin, bin ich zunächst immer hier.

Nun wieder etwas Zahlenmystik: 90 Minuten brauche ich von Zürich zum Messeplatz in Basel, die Quersumme von 90 ist 9. Hier also meine persönlichen 9 Highlights der diesjährigen Großformat-Schau: 

1. Felix Gonzales-Torres
   Ein himmelblaues Podest, umringt von 48 Glühbirnen: Auf „Untitled (Go-Go Dancing Platform)“ (1991) tanzt sporadisch ein knapp silbern gekleideter Performer, dann herrscht wieder Leere. Ich hatte Glück und erlebte eine der raren, vorher nicht angekündigten 5 Minuten-Performances. Das Stück macht Präsenz, Begehren und Verlust physisch erfahrbar. Wer den Auftritt verpasst, erlebt das Werk als Abwesenheit – genau das ist Gonzales-Torres’ präzise Choreografie der Vergänglichkeit.

2. Danh Vo
   Für „In God We Trust“ (2020) schichtet Vo Kaminholz zu Streifen und setzt 13 Stahlsterne darauf – eine improvisierte Stars-and-Stripes. Die Urfassung verbrannte 2020 in London; die Basler Variante zeigt verrußte Narben. Vo legt offen, wie politisches Symbol und brennbares Material zusammenfallen und Patriotismus buchstäblich verpuffen kann.

3. Diane Arbus
   „A Box of Ten Photographs“ (1970) versammelt ihre ikonischen Gelatine­silberabzüge, handbeschriftet, in einer Plexiglas-Schachtel. Als das Portfolio 1972 im US-Pavillon der Biennale auftauchte, adelte es die Fotografie als Kunst. Heute wirkt die mobile Vitrine wie ein konzentrierter Blick in Arbus’ Alltagserforschung: gewöhnliche Menschen, ungeschminkte Komplexität.

4. Heinz Mack
   „Das Mechanische Ballett“ (1966–2015) lässt sieben polierte Edelstahl­stelen in unterschiedlichen Höhen kreisen; ein rückseitiger Spiegel vervielfacht das Rotieren. Ligetis Klangkomposition rahmt die Licht- und Reflex­spiele. Macks ZERO-Ästhetik erzeugt eine hypnotische, beinahe spirituelle Szenerie, in der Technologie und Wahrnehmung endlos um dieselbe Achse tanzen.

5. Carlos Cruz-Diez
   In „Labyrinthe de Transchromie A“ (1965/2017) schichten sich transparente Farbgläser zu einem 4,5 × 2,5 × 5,5 m großen Korridor. Schrittweise verschieben sich Farb­mischungen, sobald sich der Betrachter oder das Licht verändert. Der Meister der kinetischen Kunst demonstriert, dass Farbe nicht fix ist, sondern relational – ein Labor für optische Experimente, das man durchwandert statt betrachtet.

6. Robert Longo
   Vier monumentale Segmente – Combines, Zeichnung, Film – bilden „We Are The Monsters (Four Parts)“ (2025). Graphitbilder nach Dürers apokalyptischen Engeln gehen in einen überdimensionalen “Doom-Scroll” über: Eine hochgetaktete Schwarz-Weiß-News-Loop, algorithmisch unterbrochen von Stille. Longo übersetzt ein Jahr globaler Krisen in visuelle Über­lastung und fragt, wie sehr ein Bildsturm unser Blickvermögen strapazieren darf.

7. Cosima von Bonin
   In „Da geht sie, die Leseratte one to six“ (2025) watschelt Daffy Duck über sechs großformatige Paneele aus Samt, Baumwolle und Fleece. Die Sequenz funktioniert wie ein analoges GIF und reflektiert Bonins Interesse an Pop-Ikonen als Projektionsfläche für Humor und Ambivalenz. Der Cartoon-Loser wird zum vielschichtigen Spiegel menschlicher Verhaltensmuster.

8. Erik Bulatov
   Das Diptychon „Вперёд“ (2015–16) brüllt „Vorwärts“ in 6 × 6 m großen Buchstaben vor rot-schwarz-weißer Kulisse. Der Slogan, in der Sowjetzeit allgegenwärtig, wird hier zum visuellen Stopp­signal: Die Schrift zieht hinein, stößt aber zugleich zurück. Bulatov verwandelt Propaganda in eine stille Aufforderung, Richtung und Ziel des Fortschritts zu hinterfragen.

9. Atelier Van Lieshout
   Mein persönlicher Höhepunkt: „The Voyage – A March to Utopia“ (2025) besteht aus einer monumentalen Karawane: rund 80 miteinander verbundene Objekte, Maschinen und Skulpturen, die vom Halleneingang zum Ausgang rollen. In vier Jahren entstand er, der Konvoi aus Recycling-Material, Autarkie-Geräten und skurrilen Körperfragmenten. Er feiert Pioniergeist und entlarvt ihn zugleich als endlosen Kreisverkehr: Optimismus als Motor, Zweifel als Beifahrer. Sehr beeindruckend, für unsere Terrasse leider zu gross zum Installieren.