Weltflucht im Lampenladen

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Wagners “Tristan und Isolde” ist kein vordergründiges Handlungs-Stück über Intrigen, Liebe und Mord in Kornwall und Irland  – es geht vielmehr um Bewusstseinszustände. Eine „Handlung in drei Aufzügen“ nannte Wagner zwar sein Werk – aber es ist konsequent vom Inneren der beiden Hauptfiguren her erzählt, sozusagen von Eros und Thanatos.

Harmonisch markiert der berühmte Tristanakkord – jene schwebende Konstellation aus übermäßiger Quarte, Sexte und None über dem Bass – die musikalische Zeitenwende: eine permanente Aufspannung, nicht im klassischen Dur oder Moll, ohne klassisches Auflösen, die den Weg in die musikalische Moderne öffnet. Wer’s nachlesen will: das Akkord-Mysterium ist vielfach dokumentiert worden.

Nietzsche hat Tristan – später mit Distanz, zunächst mit Faszination – als Paradefall des Dionysischen gelesen: die Verflüssigung der Grenzen, Rausch als Erkenntnisform; in seinem Ecce homo ist gar von der „Wollust der Hölle“ die Rede. Das Stück bleibt so auch philosophisch die Oper des Begehrens und der Nacht.

Michael Thalheimers Regiestil  – vor allem im Theater, nicht in der Oper geschult –  wird gern als Minimalismus etikettiert, treffender ist aber: radikale Verdichtung. Nicht leer, sondern streng fokussiert. Die Bühne für den langen Abend baut eine Wand aus Hunderten von Leuchten, die wie eine Atemkurve der Partitur dimmen, verlöschen, aufglühen: ein Lichtspiel über Tag und Nacht, in der Logik des Werks (Licht/Tag vs. Dunkel/Nacht) verankert und stimmig. Wie “Tristans Lampenladen” wirkt das Ganze vielleicht für diejenigen, die sich mehr Details und Requisite erhofft hatten. Jedoch ist es ästhetisch stark, wenn auch nicht revolutionär – Thalheimer prägt das deutschsprachige Theater seit gut 25 Jahren und ist selbst längst Kanon.

Und so gibt es Bilder statt Ausstattung: das Schicksals-Seil, das Isolde im Vorspiel über die Bühne zerrt und das Tristan im dritten Akt wieder aufnimmt; Schattenspiele wie bei Platons Höhlengleichnis, der Becher, der zerschellt; die Glasscherbe des Liebestranks, mit der sich das Paar (geträumt) die Adern ritzt – scharfes Zeichen für den Übergang in die unbewusste Nacht. Manches wirkt statuarisch; die Personenführung hält die Sänger zuweilen enger, als ihre Phrasen atmen möchten. Aber die Mittel sind schlüssig und aus der Partitur gedacht.

Genau diese Zurücknahme lenkt Ohr und Blick auf den Graben: Sir Donald Runnicles und das Orchester formen Linien, die in äußerstem Piano beginnen und die „unendliche Melodie“ tragen. Und so umschlingt einen bereits nach den ersten 15 Minuten das weltberühmte Tristan-Vorspiel und entfaltet seine emotional-manipulative Wirkung. Ein Kreis schließt sich: Mit Tristan begann Runnicles vor 16 Jahren seine Wagner-Premieren als GMD in Berlin – nun verabschiedet er sich damit.

Vokal trägt ein Quartett, das den Abend erdet: Clay Hilley (Tristan) mit tragfähiger, beweglicher Heldentenor-Attacke; Elisabeth Teige (Isolde) – ein jugendlich-dramatischer Sopran, der sich im Verlauf hörbar entfaltet; Irene Roberts (Brangäne) mit klangreichem Mezzo (ihre „Wachrufe“ aus dem Rang sitzen und verzaubern); und Georg Zeppenfeld (König Marke) als nobler, textdeutlicher Bass – eine Autorität in dieser Partie.

Der Abend strudelt zwar nicht, jedoch setzt er Klarheit statt Ekstase, Kontinuität statt Liebes-Kater. „Ertrinken, Versinken“ – hier eher beobachtet als überwältigt. Doch es bleibt  dabei: Wagners “Tristan” ist ein Jahrhundertwerk, an der Bismarckstraße vor allem hörens- und auch sehenswert präsentiert.