Chekh – it- ov! 

Main Feature

„Die Möwe“ von Anton Tschechow ist sein wohl zentrales und am meisten gespieltes Werk. Die Auf-Dem-Land-Gesellschaft am See, die ihre Melancholie zwar erkennen, aber nicht analysieren oder gar überwinden kann: Die in die Jahre gekommene, aber weiterhin sehr von sich überzeugte Schauspielerin Irina Arkadina, ihr Sohn Konstantin, der eine neue Form der Kunst finden will, ihr Liebhaber Trigorin, ein in sich, in Sarkasmus und Langeweile ruhender Schriftsteller, die Gutsverwalter, ihre stets schwarz tragende Tochter Mascha – und dann schliesslich Nina, das Mädchen gegenüber vom See. Nina ist die Möwe, sie gerät mit ihren schauspielerischen und schwärmerischen Ambitionen in die Fänge des jungen Konstantin, dann des Schriftstellers Trigorin – ihr Flug stürzt in Wahn und Verzweiflung. Tschechows Stücke steuern zielgerichtet und gleichzeitig mäandernd auf ihr Ziel hin, seine “Dramaturgie-Regel” besagt, dass, wer im ersten Akt ein Gewehr zeigt, es im letzten auch abfeuern muss – und so geschieht es schliesslich, wenn der desillusionierte Sohn seinem Leben ein Ende setzt.

Es ist das siebte mal, dass ich dieses Stück inszeniert sehe und wenn Tschechow es als „Komödie“ bezeichnet, stimmt dies nur bedingt, sind doch Elemente der Tragödie sorgsam verwoben mit Komödiantischem. Schon allein, dass die Charaktere ihr Unglück spüren, aber über die Ursachen nichts wissen, ist zwar stellenweise komisch, gleichermassen aber auch tragisch. Jede Tschechow-Inszenierung muss sich in diesem Spannungsfeld positionieren und eine Seite wählen – oder besser: eine Balance von beiden Elementen herstellen.

Thomas Ostermeier forderte in seinen jungen Regie-Jahren, keinerlei Förderung mehr für Regisseure über 40 zu geben. Ein breitbeiniger Spruch, unter dem er nun – mit 56 Jahren – selber recht leiden würde. So oder so ist er aber nie Bilderstürmer oder ein modern-konzeptioneller Regisseur gewesen. Seine Inszenierungen bemühen sich stets um die Geschichte, um die Handlung und die Charaktere, stilistische Mittel ordnen sich dem unter, obwohl es auch einen typischen Ostermeier-Look gibt.

So auch im Barbican, wo Magda Willi eine freie Bühne mit Rundhorizont und in der Mitte einem Feld von Schilfpflanzen konstruiert hat, für Auf- und Abtritte. Davor braucht es lediglich Camping-Klappstühle, um die Szene zu setzen, die Kostüme nehmen irgendwo in Hipster-Berlin Anleihen, sind aber nicht übertrieben modern wirkend.

Ostermeier bereitet in der Tat eine Bühne für ein in jeder Rolle superbes Ensemble, das eine von ihm und Duncan Macmillan leicht modernisierte, aber absolut szenentreue Textfassung spielt.

Dann Auftritt von Cate Blanchett, dem PR-Zugpferd des Abends. Wie sie sich in ihrer Rolle als das Theater-Pferd spreizt, affektiert gibt, dann wieder verletzt und verzweifelt um Zuneigung bettelnd, das begeistert  – auch auf der Bühne ist sie eine Force. Wenn sie „Do you know how much it costs to be me?“ bellt, gilt das sicher für ihre Rolle, auch für sie? Passenderweise trägt sie ein T-Shirt mit ihrem Rollennamen, wie ein Fashionlabel, und wenn sie sagt „It´s not about me, you know“, dann geht es eben doch die ganze Zeit um sie.

Wenn sie in einer in einer Schlüsselszene „Am I already so old that you dare speak to me about younger women“ keift, um ihren in Nina verliebten Liebhaber dann anzuflehen, bei ihm zu bleiben (in der neuen Textversion: „Please, lets leave, you can have your midlife crisis in the car“), dann kauert sie mit weggerissenem Mikroport auf der Bühne. Es sind verletzliche und wahre Momente, auch dies schafft sie auf die Bühne.

Hin und wieder wird die vierte Wand eingerissen, treten die Spieler an Mikrophone und adressieren das Publikum direkt – „Art has never been as irrelevant as today. It cannot help us with what needs to be done now“. Stimmt? Stimmt nicht? Ostermeier lässt es offen, gleichwohl die Parallele zur Jetzt-Zeit nicht gesucht ist, sondern offensichtlich. „Golden Brown“ von The Stranglers dient als musikalisches Loop, die Rolle des Arbeiters Simon eröffnet jeden Akt mit E-Gitarre und einem klassenkämpferischem Song von Billy Bragg.

Wenn sich also die von entsicherten Magneten gehaltenen Türen wie magisch und gleitend schliessen und diese „Möwe“ vor Publikum (nicht wenige mit Getränk in der Hand – it´s a British thing) im Barbican abhebt, dann ist eine nahezu perfekte Balance zwischen Komödie und Tragödie, zwischen Damals und Heute zu bewundern. Es ist ein dem grossartigen Text verpflichtetes und sehr klug gestaltetes Fest der Schauspielkunst, das hier zu erleben ist – kein Star-Vehikel für die ohne Frage hervorragende Cate Blanchett, sondern eine bravouröse Ensemble-Leistung.

Und nun die schlechte Nachricht: mit dem Erscheinen dieses Newsletters hat die Produktion ihren sechswöchigen, stets ausverkauften „Run“ beendet, dieser Grund für eine London-Reise entfällt also leider….