O Mensch! Gib Acht! 

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Katie Mitchells Hamburger Produktion „Bernarda Albas Haus“  – die als Gastspiel das diesjährige Theatertreffen in Berlin eröffnete – ist zur Abwechslung kein Live-Kino-Abend, sondern ein klaustrophobisch offenes Puppenhaus: Zwei Stockwerke, zwölf Zimmer, vorn aufgeschnitten wie ein Diorama. In Alice Birchs straff modernisierter Lorca-Fassung beobachten wir 90 Minuten lang ein Uhrwerk aus Parallel­montagen, Mikroport-Geflüster und Zeitlupen, das patriarchale und durch die Mutter Bernarda ausgeübte Gewalt seziert – sicherlich eindrucksvoll, aber oft auch erstickend.

Lorca schrieb seinen Dreiakter 1936 kurz vor seiner Ermordung; erst 1945 wurde er uraufgeführt. Alice Birch greift im Heute seine Frauen­tragödie in einer Kette von Übersetzungen auf und schärft Motive wie sexualisierte Kontrolle, Social-Media-Ablenkung und Klassen­spannungen, ohne den Handlungs­kern zu sprengen. Ihre Simultan­struktur – Szenen laufen oft versetzt, aber ineinander verzahnt – liefert Mitchell die Partitur für extreme Präzision.

Mitchell verzichtet auf die sonst typische Live-Video-Überblendung; stattdessen trägt das offene Haus selbst den Voyeurismus – wir brauchen keine Leinwand, weil jedes Zimmer permanent sichtbar bleibt. Parallel­dialoge greifen „wie Zahnräder“ ineinander, doppelte Chor-Momente erzeugen Unbehagen, und Mikroports lassen Sätze ortlos im Raum schweben. Die starre Sichtachse zwingt die Zuschauenden, ihre Aufmerksamkeit aktiv zu lenken. Aber: Das visuelle Konzept gerät phasenweise zur illustrativen und bei aller Grausamkeit stylischen Schaubühne, die Ambiguitäten glättet und allzu sehr ästhetisiert.

Alex Eales’ blassgelber Setz­kasten erinnert an ein Gefängnis mit Gittertor; Privatsphäre existiert nirgends. Das Licht tastet Zimmer wie Laborröhren ab, während Paul Clark/Melanie Wilson eine Soundscape zwischen Herzschlag und Sirene über die Szene legen. Die ästhetische Brutalität illustriert, was der Text bereits benennt – ein doppelter Holzhammer, der Wirkung erzielt, aber kaum Raum für Subtext lässt.

Julia Wieninger liefert als Bernarda eine kontrollbesessene Furie, deren Macht in körperlicher Präsenz und kaltem Timbre kulminiert. Bettina Stuckykontrastiert als demente Maria mit grotesker Verletzlichkeit. Die Töchter (u. a. Linn Reusse, Eva Maria Nikolaus) formen ein Ensemble-Korps, das zwischen choreografierter Stille, eruptiven Wutausbrüchen und synchron gesprochenen Zeilen oszilliert – technisch brillant, aber auf Kosten individueller Tiefe.

Starkes Ensemble, radikales Raumkonzept, akustische Hochspannung – doch die totale Sichtbarkeit birgt ihr Paradox: Was ständig transparent ist, bleibt selten rätselhaft. Birchs Text gewinnt Aktualität, verliert aber Poesie, und Mitchells rigide Choreografie beeindruckt mehr, als sie atmen lässt. Ein dann noch textfern zum Schluss inszenierter Kollektiv-Selbstmord von Mutter und Töchtern verhallt im gruselig Ästhetischen. Ein Abend, der im wahrsten Sinn des Wortes „unerbittliches Theater“ bietet – scharf fokussiert, formal virtuos, jedoch so hermetisch, dass Empathie und die Hoffnung, dass der Mensch doch nicht ein derartiges Monstrum sein könne, durch die Gitterstäbe schlüpft.

Wird also nichts mehr mit dem Menschen – sollte es also eher der „Übermensch“ werden?

Mit Sebastian Hartmanns Zürcher “Also sprach Zarathustra” erlebt man einen vier-einhalb-stündigen Theater-Rausch, der Nietzsches prophetischen Text in ein technoides Gesamtkunstwerk verwandelt – berauschend und zugleich ermüdend. Hartmanns erstes Gastspiel am Schauspielhaus Zürich präsentiert sich als radikale Sinnesmaschine, die zwischen Ekstase, Diskothek und Live-Performance pendelt.

Friedrich Nietzsches Original verkündet den Tod Gottes, ewige Wiederkunft und die Idee des Übermenschen – Gedanken, die jede „richtige“ Auslegung unterlaufen sollen. Hartmann folgt diesem Geist: Statt linearer Dramatisierung zerlegt er das Werk in Monolog-Splitter, Videozitate und Sound-Loops, so dass Bedeutung permanent entgleitet.

Der Abend in der riesigen, in ganzer Länge bespielten Halle des Schiffbaus dauert lang und endet recht punktgenau um Mitternacht, was bei einem Besuch unter der Woche schon allein eine Herausforderung ist.  Ein „Starter-Kit“ aus 3-D-Brille, Ohrstöpseln und Gebrauchsanweisung signalisiert früh, dass hier körperliche Ausdauer gefragt ist. Die Bühne – 50 Meter lange, weiß gekachelte Wände, die verschoben und als Projektionsflächen genutzt werden – verwandelt die Halle in ein begehbares Diorama. Live-Kamera-Bilder legen intime Close-ups über das Panoptikum.

Zwischen den Textblöcken treibt DJ Samuel Wiese das beeindruckend kostümierte Ensemble und – zweimal – Teile des Publikums in einen Techno-Rave; Barbesuche sind aber ausdrücklich erlaubt. Gegen Ende kippt das Spektakel ins Bildhafte: Schauspieler*innen überschütten eine riesige Leinwand mit Farbe, ehe das Szenario in Stroboskop und Kunstnebel verpufft. Das neunköpfige Ensemble – u. a. Elias Arens, Linda Pöppel, Tabita Johannes, Artemis Chalkidou – teilt Zarathustras Rede in eruptive und teilweise nackt dargebotene Soli. Arens’ zehnminütiges Furioso im Farbregen setzt einen Höhepunkt und wird mit Szenenapplaus belohnt. Pöppel findet schliesslich in ihrem ruhigeren Nacht-Monolog lyrische Klarheit.

Hartmanns Markenzeichen – ekstatische Dauer, Medien­vermischung, kollektive Improvisation – soll Denken „in Bewegung setzen“. Tatsächlich entstehen dionysische Momente, wenn Text, Beat und Körper verschmelzen. Gleichzeitig zeigt sich die Kehrseite des Konzepts: Die permanente Überreizung nivelliert Dynamik; nach der zweiten Tanzpause wirkt der Exzess vorhersehbar. Etwa ein Drittel des Publikums verlässt den Saal vor Schluss – ein Kommentar auf die fehlende dramaturgische Verdichtung?

Ein Abend von enormer Sinneswucht, der Nietzsches Antipredigt als Festival der Überforderung feiert. Wer sich auf Viereinhalb-Stunden-Techno-Theater einlässt, erlebt grandiose Bilder und starke Einzelleistungen; wer nach philosophischer Schärfe sucht, könnte in der Dauerwelle aus Sound und Farbe das Denken erlahmen fühlen. Ermüdet, aber bewegt verlassen wir um Mitternacht den Schiffbau – und hören doch nicht etwa Nietzsches/Zarathustras Stimme flüstern – wenn auch nicht vom Hellen, dann wenigstens vom Tiefen?

O Mensch! Gib Acht!
Was spricht die tiefe Mitternacht?
»Ich schlief, ich schlief –,
Aus tiefem Traum bin ich erwacht: –
Die Welt ist tief,
Und tiefer als der Tag gedacht.
Tief ist ihr Weh –,
Lust – tiefer noch als Herzeleid:
Weh spricht: Vergeh!
Doch alle Lust will Ewigkeit –,
– will tiefe, tiefe Ewigkeit!«